Todos los años el Festival realiza muestras que rescatan la figura de un autor cinematográfico, invitando a Chile a cineastas con una filmografía a descubrir. Este año será la posibilidad de conocer la obra del documentalista israelí Avi Mograbi, que aborda de manera crítica el conflicto de su nación con Palestina, a través de películas narradas en primera persona, estableciendo un lazo directo entre el núcleo familiar y la situación político-social que atraviesa esa zona de Medio Oriente. También la particular obra del director francés Alain Guiraudie, que se caracteriza por su original trabajo de géneros tradicionales en ambientes y situaciones en que rara vez dichos géneros se desarrollan. Ya sea desde el flm social, la comedia, la fantasía, el suspenso, la mirada de Guiraudie contiene una gran libertad para quebrar las convenciones y así desarrollar sus fábulas. Y Claudio Caldini, director argentino que posee una obra cinematográfica que se despliega a lo largo de cuarenta años como una constelación misteriosa e incandescente, la figura de Caldini ha sido, para muchos, el padre fundacional y gran referente del cine filmado en Super 8mm en Latinoamérica.
Los tres directores estarán presentes durante esta nueva edición del FICVALDIVIA.
AVI MOGRABI
POLÍTICAS DE LA INTIMIDAD
“Tengo un problema sobre el que quiero hablarles. Mi esposa, Tammi, me dejó. Puede sonar gracioso pero ella me abandonó debido a Arik Sharon”. El inicio de How I Learned to Overcome my Fear and Love Ariel Sharon es a su vez la explicitación de un dispositivo fílmico que será una constante del cineasta israelita Avi Mograbi: mirando de frente a una cámara instalada en su propio hogar-oficina, confesándose ante nosotros y estableciendo un lazo directo entre él, su familia y amigos, y la situación político-social que atraviesa la conflictiva zona de Medio Oriente. Sharon está en las antípodas ideológicas de Mograbi: lideró una guerra en la cual el propio cineasta se negó a participar. Sin embargo hará una película sobre su figura, o más bien sobre las dificultades de hacer un film sobre él.
Así, Mograbi nos permitirá ver la construcción de todas sus películas, ya que cada una de ellas se irá constituyendo ante el espectador, con sus dificultades y contradicciones, instalando un conflicto moral que será el centro de una filmografía que no escapa de los horrores de la guerra, pero que a su vez integra una visión llena de humor gracias al protagonismo que Avi toma en toda su obra. Este sentido del humor y la utilización de un registro casero no significa que las películas de este director carezcan de espesor y menos de carácter cinematográfico. La experimentación formal tanto a nivel visual como sonoro en su cine (aceleración, ralentización, corte directo en toma, uso de efectos especiales), sumados a la crítica visión sobre la política exterior de su país contra Palestina, convierten a Mograbi en un cineasta que reúne el discurso político con el estético como pocos en el mundo.
Cada apertura de film de Mograbi nos entrega la clave de lo que será su película: confesándose a cámara (How I Learned to Overcome my Fear and Love Ariel Sharon y Happy Birthday, Mr Mograbi), escuchando por teléfono a un amigo palestino que habla desde la oscuridad (Avenge, but one of my two Eyes), cediendo el protagonismo a una pareja que se graba a si misma (Z32) o registrando a un amigo palestino en su hogar, mientras conversan sobre lo que fue la convivencia entre judíos y palestinos antes de la creación del Estado de Israel (Once I Entered a Garden). Esta convivencia cinematográfica es a su vez una lección y muestra de la posibilidad de un mejor porvenir y actúa como resumen de una filmografía indispensable de vivenciar.
-Avenge, but one of my two Eyes (Israel, 2005, 100’, 35mm)
De los mitos de Sansón y Masada, la joven generación israelí aprende que la muerte es preferible al sometimiento. Hoy, mientras se desata una segunda Intifada, el ejército israelí humilla constantemente a los palestinos: no dejan a los campesinos arar sus campos, detienen a los niños que regresan del colegio en los puntos de control por horas, y una anciana ni siquiera puede volver a casa… Exhaustas, estas personas dan voz a su ira y desesperación – al igual que hicieran los hebreos con los romanos y Sansón con los filisteos.
-Happy Birthday, Mr. Mograbi (Israel, 1998, 77’, Digibeta)
Es 1998 e Israel cumple cincuenta años. Mograbi es contratado por la Televisión Israelí para documentar varias celebraciones opulentas con motivo del aniversario nacional. Al mismo tiempo un veterano productor de televisión, el palestino Daoud Kutab, lo contrata para hacer registros de una ola de desalojos de ciudadanos palestinos. Por su parte, el mismo Mograbi se enfrenta a la posibilidad de perder su casa. Obsesivamente, el cineasta vuelve la cámara sobre sí mismo, desesperadamente tratando de encontrarle sentido al enredo que es su vida.
-How I learned to overcome my fear and love Ariel Sharon (Israel, 1997, 61’, Digibeta)
El cineasta pinta aquí un retrato del controversial político Ariel Sharon. Una especie de film dentro de un film, donde cuenta la historia de un documental hecho sobre el Primer Ministro y sobre los problemas que le creó al director que lo hizo.
-Z-32 (Israel, 2008, 81’ Beta SP)
Un ex-soldado israelí, que participó en una operación en represalia donde dos policías fueron asesinados, busca el perdón por lo que ha hecho. Pero, su novia piensa que la cosa no es tan simple; ella menciona cosas que él no está preparado para enfrentar. El soldado le habla a la cámara voluntariamente, a condición de que su identidad no sea revelada. Mientras busca la mejor manera de esconder su cara, el cineasta se cuestiona su propia conducta política y artística.
-Once I entered a Garden (Israel, 2012, 97’, DCP)
Aquí el director fantasea sobre un antiguo Medio Oriente, en donde las comunidades no están divididas por líneas étnicas y religiosas; un Medio Oriente en el que incluso las fronteras metafóricas no tienen lugar. En la aventura conjunta de Ali y Avi – el viaje que hacen a las historias comunales del uno y el otro, en una máquina del tiempo que surge de su encuentro amistoso – el Medio Oriente de antaño, en el cual pueden coexistir sin problemas, resurge con la misma facilidad.
ALAIN GUIRAUDIE
TRAYECTOS Y ENGRANAJES
El cruce es una característica fundamental del cine de Alain Guiraudie: sueño y vigilia, comedia y situaciones dramáticas; la superposición de géneros es parte de una filmografía cuya libertad está paradójicamente establecida en base al trabajo, con un ensamble que se explicita en su obra justamente en la idea de cruce.
Trayectos y engranajes definen su cine, con personajes que se encuentran ya sea a la vera del camino o en su hábitat natural, espacios cerrados en donde la mecánica, lo laboral y aquel momento aislado de ocio constituyen el punto de partida.
Sin embargo la notabilidad del cine de Guiraudie radica en instalar elementos que rompen el lugar común de los espacios y situaciones en las que sus personajes interactúan, construyendo verdaderas fábulas que escapan a las convenciones gracias a elementos disruptivos que generan tensión en narrativas situadas en la comedia.
La situación amorosa y sus imposibilidades son su temática recurrente, con la atracción homoerótica como centro y a su vez, como punto de fuga. La campiña, del espacio alejado del centro, es otra de las piedras angulares del cine de Alain Guiraudie. Y, establecer un centro para luego formar ramificaciones que escapan, rodean y vuelven a esa centralidad, es el habitual dispositivo narrativo de sus largometrajes.
El mundo del trabajo, los trayectos, la búsqueda de afecto y sexo, la Francia rural, el estado de vigilia, son los tópicos de su cine.
-Ce Vieux Rêve Qui Bouge (Francia, 2001, 51’, 35mm)
Aquí el director trabaja sobre un triángulo de amores no correspondidos en una fábrica a punto de cerrar, con obreros que pese a su situación de abandono y pronta cesantía, son dignificados como objetos de deseo. La tristeza del desamparo es trabajada aquí con sutiles dosis de humor.
-L’Inconnu Du Lac (Francia, 2013, 97’, DCP)
Guiraudie da un giro hacia el realismo, pero manteniendo los tópicos habituales de su cinematografía. Dos hombres unidos por un crimen pero que eligen no escapar, invirtiendo su habitual tono de comedia con toques inquietantes, para realizar un film de suspenso con toques de humor. Con esta obra magistral cosecha el Premio al Mejor Director en el pasado Festival de Cannes y completa una filmografía que por su sentido libertario se vuelve fundamental.
-Le Roi de l’évasion (Francia, 2009, 93’, 35mm)
El mundo del trabajo, los trayectos, la búsqueda de afecto y sexo, la Francia rural, el estado de vigilia, todos sus tópicos están presentes en esta película. Sin embargo aquí instala una pareja protagónica de hombre y mujer, prófugos unidos en el escapar. Armand Lacourtade (43), vendedor de equipos para el campo, ya no soporta su soltería homosexual. Cuando conoce a Curly, una intrépida adolescente, cambia sus orientaciones. Con todos persiguiéndolos, desafían todo tipo de peligros para vivir su amor prohibido.
-Pas de repos pour les braves (Francia-Austria, 2003, 107’, DVCam)
Guiraudie instala una situación original que le permite desarrollar aquel mundo que no es realidad ni sueño, tan propio de su cinematografía, estableciendo una serie de cuadros cómicos con anarquía y libertad creativa. Basile Matin, es un joven que sueña con Faftao-Laoupo, el símbolo del penúltimo sueño. Ahora, Basile sabe que, si sigue durmiendo, morirá. Y, el problema es que preferiría contemplar una vida larga por delante. Igor, es otro joven que trabaja un poco y hace como que estudia. Sin plata y aburrido, aun sin entenderla mucho, la historia de Basile le produce un terrible interés. Finalmente está Johnny Got. A ratos un periodista amateur, a veces detective y un consumado delincuente, éste siempre está interesado en historias que no le incumben… Y, la historia de Basile lo fascina; tanto, que decide encontrarlo.
-Voici venu le temps (Francia, 2005, 92’, 35mm)
Los guerreros de Obitania están en estado de alerta, persiguiendo a Manjas-Kebir, el bandido que ha raptado a la hija de Rixo Lomadís Bron, rico terrateniente y señor absoluto de los pastores de la Montaña Púrpura. Éste acusa a Manjas-Kebir del asesinato de su hija y emplaza a los habitantes del país a perseguirlo sin cuartel… Es el tiempo en que el guerrero y gran héroe Fogo Lompla comienza a dudar: de su lucha por liberar a los pastores, de su vida de guerrero que le obliga a errar sin descanso y de sus historias de amor imposibles…
CLAUDIO CALDINI
REMINISCENCIAS DE UNA PROYECCIÓN PASADA
Filmar es ir al encuentro decía Robert Bresson. Esta idea del cine como experiencia aurática forma parte central en la obra de Claudio Caldini, figura fundacional del cine de vanguardia argentino y latinoamericano. Desde su influencia por la música electrónica y sus viajes a la India, ya en Cuarteto (1978) se puede percibir que el suyo es un cine orgánico, donde la imagen presenta una materialidad que poco tiene que ver con el digital, pues son representaciones – precisamente del mundo vegetal – que remiten al estado material del fílmico, a su presencia química en el mundo.
En sus proyecciones, el trance de la imagen se suma al de la música, tal como ocurre en el corto Vadi-Samvadi (1976 -1981). Interesado en las relaciones audio-perceptivas, Caldini se centra en la representación de las notas predominantes en la música Hindú. Asociándose a esta noción gramática, la cámara utiliza un juego enérgico del zoom, en lo que termina siendo una experiencia sinestésica de montaje y forma para el espectador.
Como un artesano que comprende su técnica a la perfección, Caldini maneja con destreza la naturaleza del cine, ya sea realizando exposiciones múltiples sobre la película, Ventana (1975), o manejando el tiempo fílmico editado directamente en cámara, Baltazar (1975). La clara influencia oriental se presenta no sólo en el montaje, pero en la elección de las formas arquitectónicas que reclaman su atención. Así se siente en Fílm-Gaudí (1975) y A través de las ruinas (1982), dos de sus cortometrajes filmados en España. La cámara prosigue su observación testaruda mediante una mecánica que pareciese pertenecer al cuerpo y no a la máquina, como ocurre en Sin Titulo (2007) y Lux Taal (2009), algunos de sus trabajos más recientes.
En la obra de Claudio Caldini y su performativa proyección emerge una latencia que transforma las imágenes cinematográficas mediante nuevas impresiones de volumen, como si estuviese aconteciendo un rito luminoso y ancestral. En palabras del argentino, se trata de crear un diálogo con el tiempo mediante el fílmico, resistiéndose así al lugar de mera nostalgia que la crítica y la industria quieren imponer al celuloide.
El director además de presentar su obra en FICVALDIVIA presentando su filmografía será Jurado de la Selección Oficial de Cortometrajes.
-Ventana (Argentina, 1975, 4’, Single 8)
Un crescendo de líneas de luz cubre el cuadro, su movimiento parece expandirse fuera de los límites de la pantalla. Un film entre lo abstracto y lo concreto.
-Baltazar (Argentina, 1975, 3’, Single 8)
Película familiar sobre un niño llamado Baltazar: Siguiendo su mirada, la cámara descubre el vínculo entre ver y pensar.
-Film Gaudí (Argentina, 1975, 7’, Single 8)
La arquitectura fantástica del Park Guell de Gaudí en una interpretación dinámica e intermitente.
-Cuarteto (Argentina, 1978, 20’, Super 8)
Esta es una meditación sobre el mundo vegetal, el aire y la luz, inspirada por la lectura de antiguos textos de pintura china.
-Vadi Samvadi (Argentina, 1981, 8’ Single 8)
La gramática de la música india sugiere un micro-intervalo en el espacio-tiempo cinematográfico.
-A través de las ruinas (Argentina, 1982, 7’, Single 8)
Destellos en la oscuridad, recuerdos subconscientes que no terminan de surgir del fuego y de la nieve.
-Ofrenda (Argentina, 1978-90, 4’, BETACAM, SP, DVD)
Arpegios de flores pequeñas señalan un momento de devoción espiritual.
-Consecuencia (Argentina, 1992, 3’, Single 8, Betacam, SP, DVD)
“Las consecuencias de las imágenes serán las imágenes de las consecuencias”.u2028Heinrich Rudolf Hertz
-El devenir de las piedras (Argentina, 1988, 14’, Super 8)
3 episodios de cine compuestos para música: el recorrido descendente e infinito de una figura- arquetipo; un lento amanecer en la ciudad como celebración danzante y un cuerpo encantado por la última luz del sol.
-Heliografía (Argentina, 1993, 5’, Single8, U-maticSP)
“Toda técnica es técnica del cuerpo. Ella figura y amplifica la estructura metafísica de nuestra carne”.u2028Maurice Merleau Ponty
-La República (Argentina, 2008, 14’, Vídeo8, miniDV, DVD)
Observaciones irónicas en la república trash- Platónica:u20281) Los discursos políticos;u20282) La vida social de los artistas; 3) La expulsión de los poetas.
-Gamelán (Argentina, 1981, 12’, Super8, DVD, Blu-Ray)
Una cámara–satélite orbita alrededor del operador basada en las ideas de Steve Reich sobre la música como proceso gradual.
-La escena circular (Argentina, 1982, 10’, Super 8)
Dos siluetas dialogan en una ventana: la universalidad de las figuras del cine. Una máquina de la memoria afectiva.
-S/T (Argentina, 2007, 3’, Super 8)
Dos pájaros y un perro compiten por dominar un espacio. La cámara es tan obstinada como ellos.
-Lux Taal (Argentina, 2006-9, 13’, Single 8)
Chuang-Tzu: “Los bienes y los males se tocan en su corazón y producen grandes fuegos. En esos fuegos se quema la armonía de las multitudes. La calma nocturna no es capaz de apagar esos incendios”.